Freunde und Freundesfreunde des Maifeld Derbys werden das Festival lieben.
Das Maifeld Derby bekommt mit der zweiten Ausgabe des Elektrik Pony Cup ein kleines Schwesterfestival. Wer das Maifeld Derby und seine immer wieder erfrischenden Line-Ups kennt, kann sich getrost auf das bevorstehende Indoor-Fesitval freuen. Tatsächlich wollten die Veranstalter bei den eigenwilligen, deutschen Wetterbedingungen kein Risiko eingehen und organisieren das vom 30. September – 1. Oktober stattfindende Festival im Jugendkulturzentrum FORUM in Mannheim. Dies hat den netten Nebeneffekt, dass man neben den 16 Bands, die auf zwei Bühnen verteilt sind, auch die oft verborgene Schönheit Mannheims kennenlernt.
Das Duo aus Malta hat sich in Berlin mittlerweile einen Creative Hub geschaffen.
Bindestriche und Pressetexte gehen ein unfehlbares Bündnis ein. So beschreibt der Text über Black Fawn das Genre der beiden beispielsweise als Psych-Noise-Goth-Pop. Tatsächlich liegt der Sound irgendwo zwischen Nick Cave und The Horrors und hat in ihrer Heimat Malte bereits für Aufsehen gesorgt. An letzteren orientierten sie sich möglicherweise auch beim Dreh des Videos zur Single „Hopes & Dreams“.
Nachdem ihre Videos schon bei Vice und Co Premiere feierten, zeigen sie ihre visuelle Begleitung zu der aktuellen Single nun erstmals auf The Postie. Das Video, das wie ein psychedelischer Rausch aufgebaut ist, zeigt grelle Farben, die im starken Kontrast zu den schwarz dargestellten Musikern Alexandra & Daniel stehen. Verträumt, astronomisch und auch leicht krautig. Ein Sound wie aus London und das mitten in Berlin.
We’re in a very strange time right now, in many ways, and I think that we are a little disappointed in what’s happening out there in the world.
Am 1. April, als die amerikanischen Wähler noch hofften, Donald Trumps Präsidentschaftskandidatur würde sich als ein Aprilscherz rausstellen, erschiendas dritte Album von Autolux. Pussy’s Dead ist zwar kein explizit politisches Album, beschäftigt sich aber in vielen Punkten mit der nicht gerade optimistisch stimmenden Lage in der Welt. Wir haben mit Drummerin Carla Azar über Desillusion und das neue Album gesprochen.
I recently talked with Suuns about technology and digital elements in rock music. I want to begin by asking you one of the questions I asked them: Do you think it’s still possible to make relevant music today without having it have digital elements?
Of course I do, absolutely. People are doing it. In Africa, there’s some incredible music going on, and there’s no digital [elements]. There’s definitely great music happening.
What influenced you while writing Pussy’s Dead?
I’m not sure what influenced me while I was writing. Musically, I tend to not try to listen to things to be influenced by, although I’m listening to music all the time. I think life things influenced me, things of that nature, for this record in particular, based on a lot of the things that I was doing in my life at the time.
Musically, I would say I listened to a lot of hip-hop during the making of this record. Say, Kendrick Lamar. I feel like my drum beats are more influenced by his rapping than the beats on his records. And where he comes from, there’s a certain sense of freedom, lyrically, that I feel every time I hear him. I just love that, it reminds me not to overthink things.
Talking about rhythm: It plays an important role in your music in general, maybe even more so on Pussy’s Dead. Do you always start with a rhythm when you’re writing a song?
No, I think the only song… well, there’s a couple of songs, actually, that maybe just started with a rhythm. One of the songs, „Brainwasher“: When I was doing the drums, I heard a beat in my head and all the drums first; and then I heard a bass line and I played a quick bass idea. So I guess that song started with drums. As well as a song called „Hamster Suite“, where Greg had one of my drum beats and he looped it and wrote a song idea around that drum beat. So I think there are three or four of it that happened that way. Probably the ones with the really strong beats on them.
Tell me about your recording process. Do you go into the studio with the songs fully fleshed out or do you work on them a lot while recording?
On this record we did a little of both. There are a couple of songs where the actual demos ended up being the basic tracks that we used on the album. We did finish those [in the studio], but for a lot of songs, we work out arrangements, we mess around with them until they get to a certain place. And then we go into the studio, do all the foundational tracking, and all the fun stuff and overdubs happen after that. But we don’t go into the studio and start writing in the studio, no. I mean, it depends. Autolux has a studio, so we’re always recording. Like I said, there’s a couple of songs that were already recorded and we just went into a bigger studio and rounded the tracks up and finished them. It happens in various ways, we don’t have a rule.
You always take your time between albums…
You know what? I don’t want to. I definitely don’t want to take my time between records, I don’t think anyone does. I think it’s just the way things turned out for this album. I went on tour with Jack White and made a record with him. And I made a movie [Frank, Anm. d. Red.], so I was busy. That was definitely a setback for this album, which I would say would have taken four years instead of six. And the way we work – we just want to make a great album. We don’t set out to take forever making a record, we just have lots of things going on. I think for the next record though, we’re definitely going to start ahead of time. I’d like to start writing now and actually set aside a certain amount of time and only use that time to write and make the album. I think it will be a lot quicker that way.
All of you having your various side projects, it’s nice seeing that you still come back to Autolux in between projects. Do you have to start from scratch for every new album?
We basically are always doing things. It’s not like we don’t see each other for a long time and then keep coming back to it. Autolux is constantly there. We’re constantly working towards something. It’s just something like, a family member. [laughs] Always there, you see them when you go home for Christmas.
Can you tell me someting about the artwork?
First of all, the title of the album came from a Charles Dickens book, called The Mystery of Edwin Drood. It was a name of a character in the book, her name was Pussy. Gregory was looking through the book, he’d never seen it before. It was the last book Charles Dickens had written, he died before he finished it and [Greg] was curious about it and saw these words on the page. He kept seeing the name Pussy and he thought that was interesting for 1870. And then, completely out of context, they would talk about Pussy’s dead father and he thought: „You know what? That made me laugh and it’s just funny in an emotional way.“ He thought that this might be a good title for the album, and so we all toyed around with it. We kept coming back to it and it ended up sticking.
So once we made that decision, we realised that whatever artwork is on the cover, it was really important and tricky because we didn’t want to give the wrong idea, we didn’t want to conjure up the wrong things but we wanted to make people curious. And so the one person that we thought of was a friend of ours, a painter. Anthony Lister from Australia, great painter. Very controversial, very political, very anti-establishment. He’s also very funny. Technical, but he can be very childlike in his style of drawing. So we asked him, he really wanted to do it, and that was the image he came up with. It just seems perfect, because it’s borderline silly, but it’s also very strange at the same time and makes you wonder what’s going on. And it has also got this really matter-of-fact, childlike effort to it. So that’s what the artwork is, basically.
Pussy’s Dead reminds me a lot of Porcupine Tree’s Fear of the Blank Planet, which has this anxious, disillusioned mood and a certain fatigue with today’s society. Am I right to see a parallel there?
The mood of this album definitely has that, because all of us are very disenchanted. We’re in a very strange time right now, in many ways, and I think that we are a little disappointed in what’s happening out there in the world. That definitely reflects in our work. I don’t know that other band, but I’m sure that that could be the case if people are consciously aware of what’s going on around them. They’re going to write about it.
What would a perfect Friday night look like to you?
[Long silence.] You know what, I’m drawing a blank right now. [laughs] Let’s see. It varies, and I think I can’t find anything in advance. It’s very difficult. It could be a hundred different things, it depends on who I’m with. You know what? Being with somebody that I’m in love with on a Friday night is perfect for me. And it wouldn’t matter what we did.
Neben weiteren Informationen zur neuen Platte, haut die Band auch gleich ein aktuelles Video raus.
Die meisten Fans von Glass Animals kennen die Band als exotische Indie-Band mit sharpen Lyrics und tanzbaren Moves. Mit ihrer neuen Single „Youth“ soll aber alles ganz anders werden. Das mag zwar wie ein reißerischer Clickbait-Teaser klingen, ist aber in dem Fall tatsächlich die Wahrheit. Der neue Song hebt sich laut Aussage der Band vom anstehenden Rest der Platte ab. Von der Thematik her ist es ein düsteres Erlebnis das trotz allem in klassischer Glass Animals-Manier dargestellt wird. Und doch wirkt „Youth“ rauer, düsterer und weitaus weniger frisch-tropisch.
Die Idee daraus entstand aus Aufnahmen, die Dave Bayley auf seinem Handy hatte. Unter den Schnipseln aus verschiedensten Lebensbereichen und Situation fand Bayley auch folgendes: „Someone told me a story about her son once that was one of the saddest things i’ve ever heard. What she said was completely heartbreaking, but she told it with such optimism and such a sense of calm. She was on the verge of crying, but she was also smiling and something in her face said that she had found a way to be happy again. This song is trying to get at that sentiment.“ Das ergreifende Video greift genau diese Thematik noch einmal auf und transportiert sie in packenden Bildern an die Zuschauer.
Rein ins Auto und ab nach Litauen: Baltic States erscheint am 26. August.
Mit dem VW-Bus durch die Länder ziehen und Musik machen – in der Indiesymbolik ist der Wandermusiker neben der Blumenkette das klischeehafteste Überbleibsel der Hippiekultur. Mal nichts planen, rein ins Auto und „wird schon irgendwie gehen.“ Dass das auch funktioniert, wenn die Band mal nicht nur auf Gitarre und Gesang basiert, ist neu.
Sea Moya bewegen sich im Bermudadreieck zwischen Afrobeat, psychedelischem Electro und rhythmisch komplexem Synth Pop. Ihre Musik ist sehr organisch, gewiss, aber man kann sich nicht so recht vorstellen, dass das Mannheimer Trio ausgrechnet am Strand von Litauen auf die Songs gekommen ist, die sich nun auf ihrer Baltic States EP wiederfinden. Den Sommer 2015 verbrachten Elias, David und Iven auf einem Roadtrip durch Litauen, Lettland und Estland, mit einem minimalistischen Studio im Kofferraum.
Den ersten Song der EP gibt es jetzt als Schmankerl. „Nothing Is Real“ täuscht zuerst links mit einem hypnotischen Beat an und zieht dann rechts mit legerem Synth Funk vorbei, auf den David Byrne stolz wäre. Dass es im Song laut Band auch um zivilen Ungehorsam geht, merkt man der verspielten Melodie nicht an. Wie jeder bisher veröffentlichte Song der Band zieht einen auch dieser sofort in seinen Bann.
Hört euch „Nothing Is Real“ unten an. Baltic States erscheint am 26. August digital via Humming Records/Rough Trade, die Vinyl folgt am 30. September.
Ein komplettes Genre bricht in Deutschland mit den vorgegebenen Normen.
Indie ist UK. Diese Faustformel schien jedenfalls Jahrzehnte lang bei Experten und Liebhabern des Genres zu gelten. So gilt Morrissey mit The Smiths beispielsweise als Godfather eben dieses Genres, das seine Klimax Mitte der 00er Jahre hatte. Arctic Monkeys, Kaiser Chiefs, Bloc Party, die Liste ist schier ewig lang und dabei stößt man immer wieder mal auf Trittbrettfahrer. Hierin besteht dann auch gleich der erste Makel des ach so großen Auftritts der britischen Bands. Bereits zu Zeiten des großen Hypes gab es etliche Bands, die schnell produzierte Alben auf den Markt geschleudert haben, um ein möglichst großes Stück vom saftigen Indie-Kuchen abzubekommen. Ein Beispiel hierfür sind The Paddingtons, eine Band, die eigentlich nur wegen eines gewissen Pete Doherty überhaupt in den Fokus der Musikzeitschriften gelangte. Mit ihrem Junkie-Look ahmten sie deutlich ihre großen Vorbilder von The Libertines nach. Mit diesem Konzept gingen ihnen überraschenderweise bereits beim zweiten Album namens No Mundane Options, das 2008 erschien, die Ideen aus. Nur Skinny Jeans und Gitarrenriffs reichen auf Dauer eben doch nicht.
Es ist die oft angesprochene Starrheit, die den Briten langsam aber sicher zum Verhängnis wurde. Lange wurden Bands wie Bloc Party oder The Rakes von den großen Musikzeitschriften NME oder dem Q Magazine durchgeboxt. Im letzten Jahr stellte der kaiserliche Daumen namens New Musical Express dann jedoch den Verkauf ein und beschloss, die Zeitschriften stattdessen an Tube Stations in Großbritannien zu verschenken, um so wieder eine größere Masse zu erreichen. Dieser Plan geht momentan aber nur durch Mainstream-Themen auf und so bleibt natürlich weniger Platz für das Pushen von neuen typisch britischen Acts. Eine reines Indie-Magazin ist der NME also schon lange nicht mehr. Ein anderer Punkt ist, dass viele ehemalige Helden der Szene auch schlichtweg zu einer Blaupause von sich selbst geworden sind. Bestes Beispiel hierfür sind The Strokes, die eigentlich seit Jahren keinen nennenswerten Song mehr aufgenommen haben und doch noch immer vom Schall und Rauch vergangener Tage vor sich hin vegetieren. Die ganzen Reunions der Big Names vergangener Tage wollen wir in dem Zusammengang gar nicht erst thematisieren. Die Gigs sprechen oft schon für sich. Die Wahrscheinlichkeit, dass The Stone Roses den Text hier lesen werden, ist leider sehr gering.
Deutsche Bands haben in der Hinsicht eine völlig andere Ausgangslage als ihre britischen Artgenossen. Der Druck, „The Next Arctic Monkeys“ oder die nächsten großkotzigen Gallagher-Brüder zu sein, ist schlichtweg nicht vorhanden und so wird das kreative Sichtfeld nicht von vornherein bewusst oder unbewusst von den Medien gesteuert. Indie hatte in Deutschland nie den Stellenwert wie in den UK. Man musste als Band nicht unbedingt eine Top 5 Platzierung mit dem nächsten Album erreichen. Es wird der Eindruck geweckt, dass Indie in Deutschland nicht forciert Teil des Mainstreams sein musste.
Außerdem grenzen sich deutsche Bands durch den immer häufigeren Gebrauch der deutschen Sprache immer mehr vom einstigen britischen Vorbild ab und schaffen dadurch ihren eigenen Mikrokosmos. Es ist dieser Mut, nicht irgendeiner Szene zugehörig sein zu müssen, der deutsche Bands momentan so stärkt. Zwar spielt sich musikalisch viel in Berlin ab, doch geschieht der Durchbruch vieler Indie-Bands nicht, weil sie aus Berlin sind oder wie Berlin klingen. Der geographische Bezug existiert, wenn überhaupt, eher auf persönlicher Ebene.
Diese Dezentralisierung der gesamten Szene spielt dem kompletten Genre sehr in die Karten. Es ist halt wie damals in der Schule: War man mit den coolen Kids in einer Klasse, wollte man doch irgendwie dazugehören und eignete sich meist ungewollt Ähnlichkeiten an. Ein solches Phänomen ist selbst heute in Großbritannien noch sehr stark ausgeprägt, findet sich aber in dem Ausmaß in Deutschland kaum bis gar nicht wieder. Die Acts kommen aus Landau, Köln, Hamburg, Düsseldorf und so weiter. Man kennt sich zwar, respektiert sich, gerät aber eben nicht so schnell in Versuchung, bei den anderen Bands abzukupfern.
Zu verdanken haben wir dieses tolle Indie-Jahr aber nicht nur neuen, frischen Bands, sondern auch Bands, die schon länger im Geschäft sind, es aber immer wieder schaffen sich neu zu erfinden oder wenigstens nicht auf der Stelle zu treten. Get Well Soon haben dieses Jahr bewiesen, dass Konstantin Gropper einfach nicht in der Lage ist, eine beschissene Platte aufzunehmen. Die Jungs von Stabil Elite haben gezeigt, dass sich die vierjährige Wartezeit auf Spumante gelohnt hat. Was Wanda, Bilderbuch und Die Nerven im letzten Jahr bereits angedeutet haben, wurde 2016 durch eine Vielzahl an neuen Bands bestätigt. Mit Woman und Sea Moya stehen dazu noch weitere hoffnungsvolle Bands in den Startlöchern. Deutscher Indie lebt!
Auf der folgenden Seite stellen wir euch die besten deutschen Indie-Platten des Jahres vor.
„Nicole“ ist die erste Single aus seinem mit Spannung erwartetem Debütalbum.
Großkotzig, selbstbewusst aber irgendwie auch charmant. Nein, dies ist keine ironisch gemeinte Lobeshymne an den Brexit-Guy Boris Johnson, sondern eine kurze Beschreibung von Louis Berry. Der junge Musiker aus Liverpool wuchs in bescheidenen Verhältnissen mit seinem heroinabhängigen Vater auf und bekam bereits nach wenigen Gigs seinen ersten Plattendeal.
Musikalisch gesehen ist Berry trotz seiner Herkunft wenig Beatle, sondern viel mehr Johnny Cash. Ehrliche, von der Zunge in die Saiten seiner Gitarre. Der junge Brite drückt in seinen Texten in Wunden, die man eigentlich schon für geheilt hielt. Das Ganze wird in einem amerikanisierenden Blues-Rock zwischen Burger, Bourbon, Muscle Car und Cowboy-Hüten serviert und so überrascht es nicht, dass das Debütalbum von Jacquire King (Kings Of Leon) produziert worden ist. Ganz schön viel Murica für den Liverpool Guy. Mit „Nicole“ will Louis Berry nun auch seine deutschen Fans auf sein kommendes Album vorbereiten.
Alma ist eine junge Musikerin aus Finnland, die momentan das Popgeschäft ziemlich aufmischt. Ihre Single „Karma“ schoss schnell durch die Decke und nun steht sie mit Felix Jaehn auf der Matte. Dieser macht ja momentan offensichtlich selbst aus Scheisse gold. Gold ist ein gutes Stichwort, denn Alma gibt sich sehr extrovertiert. So sind ihre Haare mal gelb, mal grün…mal gold? Mittlerweile treibt Alma sich regelmäßig in Berlin rum und arbeitet an ihrer Musikkarriere. Mit uns hat sie über Mangas gesprochen und uns ihre ganz persönlichen Dancefloor Fillers gezeigt.
Hey Alma! Let’s start with an easy one: could you briefly introduce yourself?
Hey! I am 20 years old singer and songwriter from the cold Finland!
Have you ever tried to google your name? I did it and found out, that there’s a manga character called Alma Karma! Has it anything to do with your name or is it coincidence?
Haha yes! I have tried and found out about the manga thing! I didn’t know anything about it before! But it is cool.
Your single „Karma“ is massive! Could you maybe tell us about the idea behind it?
Thank you <3 These ”You can’t break me” kind of songs are my favourite ones at the moment! Because of course there is always someone who doesn’t believe in you or just being mean to you. Karma is a song that I needed to write for myself! Writing these kind of songs is like therapy for me and they help me to do my best in any way!
Finland isn’t that known for his great pop music, right? Does Helsinki have an impact on your style and music or would you describe yourself as a pretty ‘international’ person?
Yeah that is true! We only have big rock bands! But yes of course Finland has influenced me a lot! Especially the roughest and the darkest lyrics that I have made are in the songs I have started making in Finland. We have a long and dark winter so I have a lot of time to write those kind of songs! Also the local youth is a big influence to my music!
And a very last one: what would you call a perfect Friday night?
Me and my gang out in a cool club with good music and interesting people! Lots of cheap drinks and tequila!
Wir feiern Felix Jaehn zwar nicht so, posten die neue Single von ALMA aber trotzdem:
Auf der zweiten Seite erfahrt ihr zu welchen Tracks ALMA auf der Tanzfläche abgeht.
It was more a surrealist response to the idea of gossip and people making assumptions about the relationships of others.
Nebenprojekte sind oft ein schwieriges Unterfangen. Mal sind sie einfach nur die B-Ware, der eigentlichen Band, mal aber auch derart abgedreht, dass sie fast nicht anhörbar sind. Faris Badwan (The Horrors) und Rachel Zeffira gelingt jedoch der Spagat zwischen experimentellen Klangeskapaden und verträumter Popmusik ganz gut. So zeigen sie mit ihrem neuen Album Treasure House nicht nur, dass die das Einmaleins des Guerilla Marketing beherrschen, sondern auch, dass das Duo weitaus mehr ist als eine Soundtrack-Maschine deluxe. In dem Zusammenhang haben wir dem Frontmann von The Horrors ein paar Fragen zur neuen Platte, ihrem Einbruch in den Buckingham Palace und kontroversen Videos gestellt.
Hey guys. I saw the fan video of your latest single „Be Careful Where You Park Your Car“ only about a few days ago on your facebook page and it’s just hilarious. But let’s talk more about the songs : it’s pretty/quite different from what you’ve done before, right/is that right ? Could you maybe tell us a little more about the initial idea of that song ? Where does this garage vibe come from ?
That song was one of the first ones Rachel wrote – before we even began recording our first album. Towards the end of the recording we felt Treasure House needed a short, garage song so we added it in. We’re into girl garage – that’s a big part of the records I collect anyway.
Is this song more like a standalone or is it rather reflecting/expressing the mood of ‘treasure house’ ? In your own words, how would you describe the sound of your album ?
It probably is a little different to the rest of the record but I’m into songs that twist the audience’s idea of what a band is or sounds like. I don’t really like describing our own music – I’m not sure any musician does – but I guess an important part is the clash between orchestral arrangements and weirder sonic production. When we write we always look for strong melodies – that’s the number one thing for us.
Your Buckingham Palace video went viral. Who came up with that idea and why ?
We had been wanting to do it for about 3 years. After the Vatican it seemed like the only thing we could do that would be harder/more unexpected.
Was it hard to breach security at Buckingham Palace?
Yes! It took fucking ages.
It’s not the first time that you’ve done this kind of guerilla marketing. Is this weapon (getting progressively gaining importance in these days and where social media is dominating our society ?
It’s just fun for us, that stuff. Taking risks to avoid getting bored. We don’t really see ourselves as a band – more like two people who have fun collaborating in different ways. We aren’t really interested in doing the conveyor belt stuff that bands can easily get trapped in.
The video of your single ‘Drag’ pictures a problem, which remains (all too)often unspoken/unsaid : domestic violence. What was your emotional response/reaction to that topic ? In your opinion, would you suppose/believe that our society doesn’t care enough about this issue ?
To be honest that video doesn’t really have anything to do with domestic violence. It was more a surrealist response to the idea of gossip and people making assumptions about the relationships of others – the idea that you never know what happens behind closed doors. There were no victims in the video and that was important for us.
Thanks a lot for taking your time !
Das angesprochene Video zur Single „Drag“ gibt es hier:
